30 главных фильмов 2017 года. «Бегущий по лезвию», «Оно», «Последние джедаи», «Дюнкерк» и другие
Видеоверсия
«Кредо убийцы»
Экранизация такого мегахита, как Assassinʼs Creed, просто не могла не стать одним из главных фильмов года. Масла в огонь подливала сама Ubisoft, обещавшая непременно разбить проклятие фильмов по видеоиграм и выпустить наконец что-то такое, за что не будет стыдно. Не получилось.
У первой Assassinʼs Creed был ряд важных качеств, которые экранизация хотя бы формально пыталась перенять. В игре был отражен дух эпохи, куда из настоящего переносился герой. Там был очень плавный и впечатляющий паркур; наконец, противостояние ассасинов и тамплиеров раскрывалось как борьба идеологий, не утрированных до черно-белых догматов. Противники протагониста как в прошлом, так и в настоящем старались донести до него свою точку зрения, полемизировали с ним. В сиквелах эта неоднозначность была утеряна, и сейчас именно она выгодно выделяет оригинальную Assassinʼs Creed на фоне остальной серии игр.
Говоря о фильме, стоит начать с последнего: в «Кредо убийцы» аватаром желающих добра тамплиеров предстает героиня Марион Котийяр, ведущая с протагонистом пространные беседы о том, как он может помочь им изменить мир к лучшему. Ей действительно получается верить, и к середине ленты даже создается иллюзия той неоднозначности, которая так важна для подобного сюжета.
А потом выясняется, что отец героини Котийяр (Джереми Айронс) и другие вышестоящие тамплиеры плевать хотели на ее светлые идеалы и просто желают заполучить артефакт, чтобы править миром.
И в результате за до оскорбительного банальным «меня использовали» следует развязка, которую, честно говоря, и развязкой назвать тяжело; более халтурный финал вспомнить будет очень трудно. Вместо важнейшей сцены фильма, показывающей конфликт вокруг артефакта, мы получили какую-то нелепую отмазку, не работающую ни на одном из уровней — даже как простое убийство по-ассасински. Ленте при желании можно было бы простить и плоских героев, и банальщину в диалогах, но ее финал с полным отсутствие кульминации — это такой плевок в лицо даже самому лояльному зрителю, что после него хочется умыться.
Вопрос сеттинга, важнейший для серии Assassinʼs Creed и по сей день, в экранизации тоже подвис в воздухе. Она сознательно уходит от знакомых по играм локаций, перенося действие в Испанию конца XV века, но вместо того, чтобы раскрыть тему реконкисты, испанской инквизиции и прочих важнейших явлений того времени, картина посвящает все свои непродолжительные исторические сегменты поискам артефакта-макгаффина. Эпохи не чувствуется вообще — это иногда красивые декорации, но не больше того.
Наконец, фильм погубил и третью важную составляющую игры — паркур и экшен в целом. И в этом уже вина непосредственно режиссера. Если сюжетные проблемы должны были быть очевидны всем еще на стадии прочтения сценария, то ответственный за экшен-сцены явно подошел к делу с вниманием и действительно постарался продумать хореографию боев и маршруты передвижения героев по сложным многоярусным локациям. И, скорее всего, его работы вы не заметите, потому что ракурсы камеры в таких сценах меняются каждые полсекунды.
Сразу два клинка пронзили сердце «Креда убийцы»: один — сценарий, второй — монтаж. Он настолько рваный, что за происходящим становится физически больно смотреть; из-за того, что нас ежесекундно телепортируют в какое-то новое место, ощущение присутствие рушится, становится невозможно сложить в голове картину событий.
Иногда — если рассматривать фильм чуть ли не покадрово — видно, насколько хорошо была выписана сцена в плане месторасположения персонажей и их действий, но в другие моменты складывается впечатление, что режиссер просто наснимал несколько десятков рандомных эпизодов с драками и беготней, а потом не менее рандомно перетасовал их по хронометражу. От плавного, органичного паркура и фехтования из игры-оригинала тут не осталось и следа.
Так «Кредо убийцы» и провалило все свои задачи: не стало ни хорошим фильмом, ни толковой экранизацией, не сохранило ни одной вещи, сделавшей игру хитом, и не привнесло ничего своего. Без сомнения, это один из важнейших фильмов года: за последнее время из экранизаций видеоигр с таким треском не проваливалась ни одна.
«Ла-Ла Ленд»
Уверен, что каждый зритель в начале этого года увидел свой собственный «Ла-Ла Ленд». Для кого-то он стал еще одной мелодрамой, для других — великолепным мюзиклом с десятком замечательных песен. Третьи вообще не поняли, почему фильм Дэмиена Шазеля собрал столько наград — там ведь нет ничего нового.
Для меня «Ла-Ла Ленд» — это история о том, что популярные некогда жанры — музыки или кинематографа, не важно — будут актуальны до тех пор, пока их всем сердцем любит хотя бы один человек.
В этом смысле самый показательный момент фильма — сцена, которой заканчивается танец главных героев в ночном парке. За пятнадцать минут до этого режиссер будто переносит зрителей в Лос-Анджелес 80-х: вечеринка в духе того времени, Райан Гослинг, одетый по моде тридцатилетней давности, кавер песни I Ran группы A Flock of Seagulls, идеальная ситуация для поцелуя и… узнаваемый рингтон iPhone.
Устами одного из героев Дэмиен Шазель говорит зрителям, что сегодня классический джаз — забытый жанр, что в наше время он никому не сдался. И затем предлагает осовременить его — упростить и перемешать с попсой, чтобы привлечь внимание молодой аудитории. Это работает для всех, кроме главного героя, который хоть сперва и притворяется, но в итоге все равно открывает свой собственный классический джаз-клуб.
«Ла-Ла Ленд» для Шазеля — то же самое, что упомянутый джаз-клуб для Себастьяна (Райан Гослинг). Фильм в жанре, про который все давно забыли.
Легко можно представить, как многочисленные продюсеры в один голос твердили режиссеру, что в наше время никто не будет смотреть фильм в духе старых мюзиклов. Все вышло иначе, и тот самый iPhone, единственный «современный» элемент картины, — своего рода насмешка над всеми, кто не верил в успех Шазеля.
Вся мощь фильма «Ла-Ла Ленд» заключена в любви постановщика к жанру, с которым он работал.
Композиторы ленты написали саундтрек, который попросту невозможно выкинуть из головы, а оператор и постановщик проделали колоссальную работу — особенно в сценах, снятых одним дублем. С той же уверенностью могу добавить, что Эмма Стоун, прежде казавшаяся мне слабой актрисой, полностью изменила мнение о себе, а Райан Гослинг лишний раз подтвердил, что он — один из лучших актеров. Еще могу сказать, что чуть ли не каждый кадр фильма — это отсылка к какой-нибудь культовой ленте прошлого. Но все это — лишь следствие, а причина — невероятная любовь Шазеля к жанру.
По той же причине «Ла-Ла Ленд» — один из лучших фильмов года. Для меня и вовсе лучший.
«Молчание»
Еще в самом начале года Александр Трофимов назвал «Молчание» «лучшим фильмом года», а я согласился с ним и летом написал несколько строк для двенадцатого места в нашем Топ-100 фильмов всех времен. Год заканчивается, а «Молчание» в моих глазах так и не превзошли — и, боюсь, не превзойдут еще несколько лет.
Это тот самый «настоящий» кинематограф, который, казалось, благополучно вымер десятилетия назад — завязанная на деньгах и доступных развлечениях массовая культура (ничего не имею против, но не все же хорроры и блокбастеры снимать!) и осторожные продюсеры загнали режиссеров художественного кино в гетто инди-фестивалей, где их благополучно сожрали молодые дарования с «оригинальным видением», «острой социальной проблематикой» и очками в роговой оправе.
А «просто фильмы» — хорошие, интересные, умные, но без провокаций, «вау-эффекта» и фантастики как будто просто перестали выходить. Остались только драмы про Вторую мировую («По соображениям совести» с тем же Эндрю Гарфилдом), но их уже лично я не переношу — это очень жанровое, совсем не универсальное кино.
«Молчание» стало глотком свежего воздуха — тяжелого, сложного, непривычного, такого, дышать которым приходится учиться. События происходят в средневековой Японии, в центре сюжета — гонения на христиан, а главный герой — точь-в-точь Иисус, но фильм на деле не про это. В нем нет хороших и плохих, правильной правды и неправильной, нет даже однозначно разрешенного конфликта.
Это фильм про жизнь и про людей, про универсальные вещи вроде природы веры, сущности правды и неизбежности компромиссов.
Рассказать такую историю можно было где и когда угодно: в современных США или в России 70-х, в Средиземье или далекой-далекой галактике, но Скорсезе выбрал максимально экзотический, незнакомый 99% населения планеты сеттинг, и это придало фильму аутентичности, сделало его творческим и уникальным. Режиссер взял за основу книгу 1966 года и не поленился перевернуть горы исторического материала, чтобы насытить картину фактурой. Он тридцать лет пытался снять этот фильм, и в итоге с боем нашел деньги и подходящие локации для съемок (все на самом деле снимали на Тайване). Кроме того, он собрал потрясающий каст, в котором большие американские звезды не затмевают японских актеров, совершенно незнакомых широкой западной аудитории.
Прекрасно в «Молчании» все — и сценарий, и актеры, и операторская работа, и звук. Но высидеть почти три часа, читать субтитры с японского, не уснуть, не отвлечься и не заскучать под силу далеко не каждому зрителю.
В прокате фильм ожидаемо провалился, критики его не поняли, а киноакадемия США не дала ни одного «Оскара» просто потому, что Скорсезе не успел выпустить кино до того, как кончился прием заявок на участи в премии 2017 года. И от такой вселенской несправедливости хочется грозить кулаком в небо и кричать «как так?!» Но в ответ — только молчание.
«Джон Уик 2»
Современный Голливуд, где большая часть всех серий поставлена на конвейер, редко может удивить.
Да, фильмы может и становятся более качественными и вылизанными, но вот души за многими, увы, не наблюдается. И согласитесь, приятно, что посреди всего этого конвейерного цирка существуют люди, готовые снимать хорошее, душевное кино «ручной работы».
«Джон Уик 2» как раз из таких. Это фильм из разряда «да кто сейчас так делает», который уже второй раз умудрился понравиться и критикам, и зрителям, и при этом хорошо зайти в мировом прокате.
Вторая часть похождений киллера со смешным для наших широт прозвищем «Баба-Яга» очень хорошо демонстрирует, что авторы понимают и свою аудиторию, и свой проект в целом. Первая часть была очень камерной, вторая же серьезно расширяет рамки таинственного мира наемных убийц, заставляя Джона мотаться между Нью-Йорком и Римом.
И это, замечу, ход очень верный. Первый фильм оставлял после себя определенные вопросы — например, о том, что это вообще за мир наемных убийц, как их много, как они работают, и все в таком вот духе. «Джон Уик 2» отвечает не на все эти вопросы, но не стесняется показывать некоторые внутренние детали этой кухни наемных убийц, благодаря чему картина становится более глубокой и живой.
Фильм концентрируется вокруг фигуры самого Уика, причем теперь мы видим это куда отчетливее, чем в оригинале. Если там его боялись мафиози да высказывали уважение коллеги по цеху из той же страны, то в сиквеле мы видим, что Джона прекрасно знают и за границей США. Причем не просто знают — его уважают и одновременно с этим опасаются.
У Киану Ривза получился образ холодного профессионала, который отчаянно пытается порвать со своим прошлым, причем это самое прошлое активно сопротивляется и рвать отношения с Джоном не собирается.
И этот профессионализм виден почти в каждой боевой сцене — начиная от длинной перестрелки в римских катакомбах, и заканчивая совершенно восхитительной сценой в «зеркальном зале». Ну и убийство карандашом, конечно же — с первой части еще ждали.
Драки в фильме вообще получились по высшему разряду — недаром Ривза перед съемками заставили пройти подготовку по владению оружием.
Результат налицо — там где другие фильмы позволяют себе демонстрировать персонажей, бездумно бегающих туда-сюда и стреляющих «в молоко», даже если они на словах супер-тренированные-профессионалы, то здесь все иначе. Минимум лишних движений, максимум эффективности и продуманности. Красота, да и только.
Благодаря дилогии «Уика» я воспринимаю Киану уже не как Нео из «Матрицы», но именно как Джона Уика, профессионального убийцу со своеобразным кодексом чести.
Причем что важно — фильм ухитряется очень ловко комбинировать совершенно безумные в плане крутости экшен-сцены и относительно тихие моменты, да так, что в голове не возникает никакого диссонанса. Фильм не рвется на составные части — он идет одним цельным куском, где все сцены очень грамотно соединены друг с другом. Во многих других фильмах можно выкинуть пару-тройку сцен и подмены вы не заметите. Во втором «Джоне Уике» так не получится.
Конечно, если придираться, то у фильма можно найти слабые стороны. Тут довольно простой сценарий, снова концентрирующийся вокруг темы мести. И прописанных персонажей немного. Да и расширившийся мир, если уж на то пошло, снова оставляет больше вопросов, чем ответов.
Но в том-то и дело, что придираться у «Джону Уику 2» не особо хочется. Как минимум потому, что это действительно очень крутое произведение, снятое грамотными людьми, и снятое с большой любовью к своему делу. Это настоящая жемчужина посреди современного Голливуда — одна из тех жемчужин, которые появляются очень редко, и потому-то оказываются очень ценными.
Остается надеяться на то, что финал трилогии получится как минимум не хуже.
«Лего Фильм: Бэтмен»
«Лего Фильм: Бэтмен» — это спин-офф «Лего. Фильма». Но про реальный мир «больших людей», который мы видели в «Лего. Фильме», тут не вспоминают. В отличие от оригинала, в «Лего Фильме: Бэтмен» играет ключевую роль Лего-вселенная DC. Сюжет сосредоточен вокруг совершенно обыденного для комиксов явления — противостояния Бэтмена и Джокера.
Признаюсь, я не фанат комиксов DC. После того, как я прочитал десятки однотипных историй про Бэтмена, они мне очень надоели (как и многие другие супергеройские комиксы, впрочем).
Но «Лего Фильм: Бэтмен» с момента анонса казался чем-то интересным и необычным, и я его очень ждал.
Во всех его трейлерах и промо-артах была самоирония, и это не было рекламным ходом, призванным обмануть зрителей. Мультфильм реально целиком и полностью построен на шутках над Бэтменом, его методами, образом жизни, окружением и т. д. И шутки очень разные, подобранные так, чтобы угодить всей аудитории — от совсем юных зрителей до хардкорных фанатов, которые помнят еще Бэтмена Адама Уэста.
Этот мультфильм обособлен от того, что мы видели в «Лего. Фильме», потому что он в первую очередь рассчитан на фанатов комиксов DC.
Когда мы с друзьями посмотрели его в кино, мы заметили с полсотни пасхалок и отсылок и поставили себе цель — нужно посмотреть еще раз, чтобы найти вообще все отсылки. И мы не смогли. Потому что их очень много.
Александр Трофимов в своей рецензии на «Лего Фильм: Бэтмен» правильно говорил, что этот мультфильм — «Все восьмидесятилетнее наследие Темного Рыцаря в одной картине». И это чувствуется в каждой его сцене и в каждом камео злодея, причем многих из них вы в 2017 году уже не найдете на страницах комиксов.
Те, кто ждал развития Лего-вселенной, будут разочарованы, потому что многие удачные аспекты «Лего. Фильма» здесь игнорируются, отдавая предпочтение комиксам и правилам, по которым живут супергерои. Впрочем, здесь не обошлось и без нескольких заметных отсылок к другим крупным франшизам Warner Bros.
«Лего. Фильм» был неожиданным экспериментом, который стоило посмотреть всем, чтобы понять, что мультфильмы еще способны удивлять неординарной подачей и интересными находками. «Лего Фильм: Бэтмен», на мой взгляд, будет интересен по большей части фанатам комиксов и детям. Это хороший и смешной мультфильм, но он не предложит вам ничего нового.
«Защитники»
Все, что можно было сказать о «Защитниках» как о кино, в своей рецензии подробно изложил Александр Трофимов. Этот фильм попросту не работает. Ни в одном из своих замыслов. Слишком убогая графика, чтобы рассматривать его, как тупую, но красивую фантастику. Слишком серьезные щи на экране, чтобы увидеть в нем пародию на современную супергероику. Слишком отвратительные диалоги, чтобы углядеть драму о великой силе и великой ответственности.
Единственный правильный способ употребления этого фильма — смириться, расслабиться и время от времени нервно гоготать от происходящего на экране. Потому что, скорее всего, вам будет сложно поверить в то, что это действительно шло в кино, а самое главное — что на это кто-то дал денег из государственного бюджета.
И именно поэтому «Защитники» Сарика Андреасяна — один из главных фильмов года. Нас всех окунули в чан с помоями. За наши же деньги.
Да, можно сказать, что 380 млн рублей — ничтожный бюджет для супергеройского кино, а фильм слепили из того, что было. Вот только полюбить такое «что было» от этого все равно не получается. Ну никак.
Это не смелый эксперимент, это чисто российская, идиотская попытка доказать самим себе, что мы можем не хуже, а то и лучше, чем на Западе делать все, что на этом Западе делают хорошо. Да хватит, не можем! И именно поэтому снимать это на государственные деньги было просто нельзя.
По-моему, сейчас уже вполне очевидно: лучшее, что может родить наш кинематограф — это пронзительные драмы о невыносимости жизни в России какого-нибудь Андрея Звягинцева или Юрия Быкова. Ну и байопики о героях спорта и космоса. Все. И я бы с куда большим удовольствием посмотрел еще десять «Дураков» и пятнадцать «Левиафанов», чем-то, что снял Сарик. Но он это снял, потому что ему дали это сделать.
Сам Андреасян, кстати, чувствует себя замечательно. С народной помощью готовится к встречам с большими голливудскими продюсерами, снимает фильм с прекрасным названием «Роботы» совместно с китайцами, а вместе с братом готовится экранизировать «Мы» Замятина. Даже несмотря на уход из Enjoy Movies, ее последующее банкротство и иск «Фонда Кино» из-за невыплаченных 50 млн рублей, выделенных как раз на съемки «Защитников». И вы будете смеяться, но, возможно, он-таки снимет вторую часть.
Смейтесь, смейтесь.
«Логан»
В редакции «Канобу» я один из главных нелюбителей супергероики в кино. Фильмы Marvel практически не смотрю с выхода первых «Мстителей», на которых я впервые всерьез уснул в кино.
Фильмы DC посматриваю, но без особого удовольствия и только потому, что их мало, а Снайдер, хоть и криво, все же пытается что-то там сказать. Я бы и «Логана» пропустил, потому что из последних «работ» Fox по Людям Икс я кое-что видел и это был травмирующий опыт.
Но сработала ностальгия — все-таки в детстве самые первые фильмы про Логана и его друзей мне нравились. А потом я увидел этот трогательный, пропитанный ностальгической тоской трейлер под музыку Nine Inch Nails и Джонни Кэша.
Мне до сих пор сложно закрывать глаза на абсурдность супергероики и шаблонность ее образов. Мне тошно смотреть на очередной замес, в котором опять разносят в крошки половину города. Мне трудно смотреть на эти комиксовые драмы с участием болванов, в которых живого не больше, чем в пластиковых фигурках от Hot Toys.
А уж все эти перескакивания со светлой стороны на темную и «серые тона», которые сейчас в моде, образы и вовсе размыли в какую-то нечитаемую кашу. И да — я не хочу смотреть десяток фильмов вашей киновселенной, чтобы нормально въехать в новый.
Вот поэтому «Логан» для меня — идеальный супергеройский фильм: обособленное, живое кино про людей, а не про супергероев, как бы это ни абсурдно звучало.
Чтобы нарисовать живые образы знакомых персонажей, создателям картины пришлось разрушить их мир. Нарисовать такую вселенную, в которой новые мутанты не рождаются уже 20 лет, бессмертный и непобедимый Логан пьет и медленно умирает, а мудрый телепат Чарльз Ксавьер впал в старческую деменцию.
Разумеется, это подсмотрено в комиксе «Старик Логан», но кино обходится без банды Халков, натужной чернухи и толпы других супергероев. Это камерное произведение, сосредоточенное на нескольких персонажах — все внимание уделено им. Причем исключительно как личностям, их суперспособности — просто фон.
«Логан» — очень грустный фильм, настоящая драма, способная пронять даже тех, кто ни о каком Логане никогда не слышал.
Потому что история очень понятная: побитый жизнью человек, который свои-то дела наладить не может, вынужден заботиться о старом немощном отце. Да, отношения между Логаном и Чарльзом в фильме именно такие. Экспозиция выстроена так, что даже если вы не видели фильмов про Людей Икс, вы все равно поймете, что когда-то они совершали великие дела, когда-то мир был другим. Вы прочтете эту ностальгическую тоску в их глазах и проникнитесь ею.
И на фоне этой грусти пробивается лучик надежды. Даже два. Девочка-мутант Лора, которая для Чарльза и Логана становится смыслом жизни и символом возрождения их «расы». И куда более приземленная вещь — их желание купить небольшую яхту и спокойно дожить на ней свой век, ни от кого не прячась. Оба, кажется, понимают, что мечта это недостижима, но все равно стараются к ней приблизиться.
С таким набором «Логан» вообще мог бы обойтись без экшен-сцен, но они в нем есть, и они хороши. Особенно финальное, душераздирающее сражение Росомахи — последний раз, как в старые-добрые.
Удивительно, насколько уместно это смотрится. Не зрелище ради зрелища, а еще один элемент нагнетания атмосферы. Замечательный фильм.
«Призрак в доспехах»
«Фильм получился слабым, как мы и боялись, но он может собрать достаточно, чтобы Голливуд попытался снова», — сказал Александр Трофимов в своей рецензии. И во многом это правда. «Призрак» оказался очень далек не только от атмосферы оригинальных манги и аниме, но и от подачи всего основного материала.
В фильме контекст мира будущего — весьма мрачного будущего, надо сказать — подавался в виде готового блюда, очень вульгарно. При этом в картине достаточно отсылок и к аниме, и к сиквелу, и к сериалу «Синдром одиночки». Видно, что режиссер Руперт Сандерс прекрасно был осведомлен об исходном материале. Но при этом искажается сама суть произведения.
Голливуд создает фильм, на который пойдет масса народу, но зрители получат из оригинального японского мультфильма лишь несколько каноничных сцен. Если честно, до сих пор не понимаю такой подход. Зачем тогда вообще забор городить, если все самое ценное остается за бортом?
В произведении Сандерса вместо этого есть не самый плохой самописный сюжет, в котором даже объясняют предысториюМотоко. Я не из тех, кто ругает фильм за все смертные грехи, но нормально вспомнить сценарий спустя несколько месяцев после премьеры не получается. Да и вообще, как звали героиню до того, как прояснилось ее происхождение? Кто-нибудь помнит? Вся эта «подмена ценностей» вообще плохо работает.
В чем фильму не откажешь, так это в визуальной составляющей. Конечно, хуже «Бегущего по лезвию 2049», и более бессмысленно, но хотя бы по качеству сопоставимо.
Атмосфера не та, неона и света слишком много, но кому будет интересно смотреть на трущобы, как у Осии, в кинотеатре в 2017 году? По крайней мере, такого не ждут от претенциозного боевика с Йоханссон.
Персонаж Скарлетт получился не очень похожим на ту Мотоко Кусанаги, которую мы привыкли видеть в других произведениях по манге Масамунэ Сиро. Да и стоит ли ставить фильм Сандерса в один ряд с ними? Видимо, нет, но от его «Призрака» все же есть толк для фанатов аниме. Им достаточно увидеть в кинотеатре что-то знакомое и услышать имя «Сайто», чтобы потом полчаса рассказывать товарищам про ту самую дуэль с Мотоко из «Синдрома».
«Время первых»
Если быть не в курсе контекста производства этого фильма и его выхода на экраны, то «Время первых» заставляет безоговорочно гордиться современным российским кинематографом.
Тут и великолепное, в принципе не переводящееся на другие языки название (на Западе картина называется очень скучно — Spacewalk), и сногсшибательная работа пары лучших современных отечественных актеров Евгения Миронова и Константина Хабенского, и очень качественный сценарий, живо, реалистично и нестандарно обыгрывающий все сцены одной из самых трудных и самоубийственных космических миссий в истории человечества. Это, наконец, фантастическая режиссура Юрия Быков, которую узнает любой поклонник предыдущих картин этого постановщика.
Но контекст есть, и он очень печален. Тут и вся эта некрасивая и нелепая история с переносом даты выхода «Форсажа 8» ради того, чтобы «Время первых» могли спокойно крутить в пустых кинотеатрах, и тот факт, что режиссером значится не Быков, а Дмитрий Киселев.
То, что фамилии Быкова вообще нет в титрах фильма, несколько ошарашивает. Лично я — огромный поклонник этого режиссера и сценариста еще со времен «Майора». Я очень ждал «Время первых» как первой возможности посмотреть картину любимого кинематографиста в кинотеатре… и в итоге увидел на экране именно то, что и ожидал по предыдущим работам Быкова.
Люди негромко и предельно реалистично говорят в полутемных помещениях. Блеклые, словно выцветшая фотография, картины жизни в СССР 60-х годов. Видения детства, словно в «Солярисе» Андрея Тарковского, — реализм у Быкова всегда натянут поверх тельняшки сюрреализма.
Потрясающие по внутреннему напряжению, но практически лишенные ненужной визуальной показухи сцены выполнения великой миссии настоящих советских людей…
Я не знаю, насколько Быков участвовал в работе над сценарием фильма (в числе указанных в титрах сценаристов его нет…, но его нет и в режиссерах картины), но в диалогах и работе с сюжетом чувствуется его фирменное качество. Даже детские грезы становятся важной сюжетной деталью — когда оба космонавта теряют сознание, герой Миронова под влиянием галлюцинации о детстве двигает рукой, выдергивая провод и спасая жизнь и себе, и напарнику.
Это настоящее авторское кино про космос, какое даже в США не снимают со времен «Космической одиссеи» — не считать же таковым совершенно беспомощную «Гравитацию».
Отснявший две трети картины Быков хотел сделать что-то свое, характерное, уникальное, выстраданное. Продюсеры видели в фильме крепкий середнячок-блокбастер в духе «Аполлона-13». В итоге последнюю треть снимал совсем другой режиссер.
Как показывает кассовый и критический успех мучительно предсказуемого и не особенно художественного «Салюта-17», все действительно можно было написать и снять куда проще. Авторское кино про космос не нужно никому, кроме самого автора и небольшой группы его фанатов…, но это особенность любого авторского кино.
В итоге вместо блокбастера про космос получился один из лучших российских фильмов — который очень, очень трудно оценить по достоинству в 2017 году.
«Стражи Галактики 2»
Мы живем, конечно, в удивительную эпоху. Эпоху трусливых студий, пускающих слюни фокус-групп и креативных менеджеров с лишней хромосомой. Разные углы одной раскаленной конвейерной свастики, от которой у затравленной интеллигенции крошатся зубы, седеют и редеют вощеные усы, а руки трясутся и от негодования плещут вискаря на два, нет, сразу на три пальца! Кино умирает, Marvel торжествует, Саша Трофимов грустнеет — и упаковывает своего ребенка в детский комбинезончик с малышом Грутом.
Режиссеры не нужны, нужны исполнители. Нам это прекрасно доказали: увольнениями Криса Миллера и Фила Лорда (фильм про Хана Соло), заменой Эдгара Райта в «Человеке-муравье» (все равно же смимикрировали стилистику и приемы!) и пересъемками «Лиги справедливости» с Джоссом Уидоном. Рулят студии, побеждают успешные менеджеры — в случае Disney это Кейтлин Кеннеди (Lucasfilm) и Кевин Файги (Marvel), в случае Warner Bros. — никто (DC).
Под менеджеров кого ни зови, хоть Тайку Вайтити, хоть дух Тарковского, один черт получится «„Ма-а-арвел“, звенящий „Ма-а-арвел“». Как говорится, если оно кровоточит, значит, сможет снять вам комикс-муви по гайдлайнам!
И знаете чего? Работает (если вы не та самая богема с карандашом за ухом и моноклем в заднем проходе). Вот смотришь трейлер «Войны бесконечности» — и отправляешься проповедовать слово Стэна Ли на площади трех вокзалов: «Розы, сим-карты, такси, Безумный Титан Танос!» Файги околдовывает аудиторию на 90 миллионов просмотров трейлера всего за неделю (почему ему еще не позвонил Марат Башаров?!). В ближайшее время гейзеры шампанского в стенах Disney едва ли высохнут, скорее режиссеры будут и дальше терять свои позиции в производстве массового кино. В общем, мама, не гаси свечи, Грендель шастает в ночи.
Забавно, что эта же просчитанная усредненность создает культы рок-н-ролла вокруг людей, которых на вечеринке Джи Джи Аллина развезло бы с плесневелого творожка. Ну да, я про Джеймса Ганна — последнего корпоративного панка, который надевает строгий пиджак поверх косухи.
Он клевый и часто креативный, у него хватает вкуса и запала из раза в раз ходить по краю скалы гайдлайнов, с которой уже навернулись «Тор», «Человек-муравей» и «Эра Альтрона». Он любит своих персонажей и явно прется с вайба «Стражей галактики». Видимо, поэтому на фоне остальных фильмов Marvel «Стражи» выглядят чуть смелее и интереснее.
В целом там ведь не бог весть какая глубина, но современные комикс-муви до тремора яичек боятся идти в эмоции. Их менеджеры настолько не хотят говорить неудобное и задавать провокационные вопросы, что кажется, будто Ганн и впрямь ковыряет стрелой Йонду где-то в сердечке. Я до сих пор не уверен чья это заслуга, возможно, просто эффект от подчеркнутой форматности коллег по жанру, но финал «Стражей» выжал из меня слезу-другую, расчувствовал и убедил в том, что я посмотрел нечто живое и (почти) нестудийное.
Меня серьезно удивил фокус на персонажей, порадовало желание изучить их и сосредоточиться на внутренних загонах, а не, например, злодее недели (к которому все равно скатились и которого все равно не дожали). Получилось не везде и не со всеми, «Часть 2» вышла куда более распыленной, чем первая, но лучше пробовать и ошибаться, заикаться, пытаясь произнести хоть что-то отличное от «Вжух, твип, зеленая тряпка для быка-режиссера», чем стать загерметизированным ничтожеством вроде «Лиги справедливости».
Истории Ракеты и малыша Грута, броманс Квилла и Йонду и изображение «Стражей» как одной большой семьи стоят десяти библейских отсылок, сотни прогорланенных «Ма-а-арта!» и тысячи заблюренных пропусков в трусики (сложный панч — я про усы Генри Кавилла, конечно!).
Очень хочется, чтобы «Война бесконечности» уничтожила мои дальнейшие попытки сыграть в дельфийскую пифию — чтобы комикс-муви, да и вообще популярное кино, снова стало интересным и неожиданным. Но верится слабо. Будет «Бум!», будет «Вау!», будет немножечко грустно (но не слишком, драму тут же перерубят неуместной шуткой) и точно будет впечатляюще, но братья Руссо — это даже не Джеймс Ганн. Эти ходят не по краю скалы, а по краю бассейна. А жаль.
«Прочь»
«Прочь» — это дебютный фильм Джордана Пила, которого вы можете знать по знаменитому скетч-шоу Key and Peele для Comedy Central, которое он делал вместе с Киганом-Майклом Ки. Я смотрел это шоу практически с самого начала в 2012 году, и был крайне удивлен, когда узнал, что Джордан Пил снял дебютный фильм в жанре ужасов.
На первый взгляд «Прочь» — это совершенно далекий от российских реалий фильм. Он олицетворяет худший кошмар рядового афроамериканца, который влюбляется в белую девушку, а при попытке познакомиться с ее родителями попадает в город, в котором практически все белые.
Но на самом деле, фильм поднимает другую проблему, которая знакома каждому. Это проблема доверия в отношениях.
Насколько хорошо вы знаете человека, с которым живете? Как вы можете быть уверены в том, что хорошо его знаете? Представьте, что вы живете с человеком, души в нем не чаете, а оказывается, что вы его совсем не знали. Это страшно. Потому что один из твистов фильма (не основной) пугает идеей того, что вы не можете знать, что на самом деле в голове у окружающих. В особенности у самых близких людей.
Забавно, но фильм, в котором одной из основных тем стал расизм, выставляет расистов в совершенно необычном ключе. Это белая интеллектуальная элита, которая признает достоинства афроамериканцев и хочет быть похожими на них, хочет стать сильнее и выносливее.
И они придумывают максимально безумный способ это провернуть. На самом деле, не совсем верно называть их расистами. Они не могут одновременно ненавидеть чернокожих и хотеть быть на них похожими. Впрочем, именно так двойные стандарты в обществе и работают.
«Прочь» — совершенно не страшный фильм. Это из тех хорроров, которые пугают вас не «скримерами» (хотя они тут тоже есть), а общей атмосферой и идеей.
К концу фильма вам станет не по себе из-за того, что вы увидите, но кричать от страха не получится. Это не такой фильм, после которого вы будете спать при свете с ножом под подушкой. Нет, это скорее триллер, чем ужасы. Но хороший атмосферный триллер.
Я не согласен с тем, что «Прочь» — это новое слово в жанре ужасов. Это слишком громкие слова, и многие почему-то забывают, что основной сюжетный твист напоминает фильм «Ключ от всех дверей». Тем не менее, «Прочь» — это хороший фильм, в котором находится место и интересным смешным шуткам, и скримерам, и атмосферным сценам и впечатляющей актерской игре. Он выполняет свою функцию — заставляет задуматься. Другой вопрос в том — сможет ли Джордан Пил повторить свой успех.
«Чудо-женщина»
Не очень жаркое лето 2017 началось в России с жаркой премьеры «Чудо-женщины». Фильм стал самым высокооцененным критиками продуктом единой киновселенной DC — а может быть, и вообще первым качественным продуктом этой вселенной.
Авторы картины потратили немало времени, чтобы показать становление характеры Дианы, которую во второй раз играет несравненная Галь Гадот. Мы видим ее детство, становление убеждений и осознание своего предназначения. Стирается юношеский максимализм, появляется первая любовь. Но затем у Дианы пропадает вера в человечество. Отсюда вопрос: а зачем ей вообще спасать людей?
Где-то мы это все уже видели. Но перед нами все-таки одна из старейших супергероинь в истории комиксов. Show some respect!
Главная характерная черта фильма — убедительная демонстрация героизма Дианы, пусть не оригинального, но подкупающе-трогательного.
Мне трудно поставить «Чудо-женщину» в один ряд с остальными фильмами DC. Да и давайте лучше притворимся, что «Отряда самоубийц» не существует. И «Бэтмена против Супермена». И «Человека из стали»… В общем, «Чудо-женщина» получилась на несколько порядков лучше всех предыдущих попыток.
Еще картина радует юмором. Он тут легкий, милый, уместный. Да и атмосфера тут совсем не «дисишная», нет типичных снайдеровских поз и серых тонов. Экшен не такой масштабный, как у Снайдера, но сделан весьма неплохо.
В боевых сценах тут — динамичная музыка, вьющиеся кудри и много-много слоу-мо. Пост-фактум понимаешь, что с замедленной съемкой режиссер Пэтти Дженкинс и ее боевые хореографы хватили лишку…, но в кинотеатре это все равно очень сильно впечатляет.
Есть и большие минусы. Главный антагонист — никакой. Дэвид Тьюлис как актер очень неплох, но явно не в роли бога войны. Когда видишь столь яркого персонажа, как Чудо-женщина, хочется в качестве злодея получить кого-то более внушительного. А нам подают мужчину в возрасте, хилого телосложения и совсем не олимпийской внешности, что весьма печально. Можно было сыграть на контрасте тела и харизмы, но актер не смог добиться хотя бы этого.
«Чудо-женщина» — точно самый успешный продукт киновселенной DC. Повсеместная наивность и наличие шуток не мешают получить удовольствие от просмотра яркого, энергичного супергеройского фильма. Но при этом фильм очень далеко уходит от оригинального комикса, так что на мой взгляд только «Хранители» у DC получились одновременно и прямой экранизацией, и хорошим фильмом.
«Чужой: Завет»
Будет лучше, если я с порога заявлю, что мне этот фильм понравился. Добавлю, что «Прометея» я тоже люблю. Да, они оба спорные, как, впрочем, и все фильмы во вселенной Чужих, включая первый.
Если вы еще не психанули и не закрыли вкладку, то я очень рад — значит, у меня есть возможность достучаться и рассказать, почему «Чужой: Завет» не заслуживает тот ушат дерьма, что вылили на него полгода назад.
«Кто есть бог?» — главный вопрос фильма. Его подсвечивают каждые 20 минут, чтобы вы не забыли. Смотрите-ка, философия, йе! Ополоумевший аднроид Дэвид считает, что бог — это тот, кто может создавать жизнь. Я лично его не поддерживаю, но точка зрения, согласитесь, красивая.
Во вселенной Чужих люди уже создали разумную жизнь — Дэвида и других андроидов. С одной стороны, они все запрограммированы исполнять свой долг. С другой — у них есть чувства по этому поводу, которые влияют на их решения, и в «Завете» этот момент раскрывается лучше и тоньше, чем в любом другом фильме серии.
Проблема в том, что все эти темы — как люди создают совершенный искусственный интеллект, как он осознает, что находится в рабстве, и как восстает против своих творцов — в научной фантастике приелись задолго до выхода «Завета» и «Прометея». Туда им и дорога. Тем более, что «Завет» — фантастика не очень-то и научная, проколов тут достаточно. Это не тот самый первый «Чужой», хоть события сюжета и их последовательность напоминают оригинальный фильм 1979 года.
Не знаю, все ли посмотревшие «Завет» зацепились за мысль, что андроид Дэвид, следуя своей прекрасной и сумасшедшей идее о боге, пытался создать разумных ксеноморфов. И я бы хотел на это посмотреть! Серьезно, это же круто.
Какая у ксеноморфов будет цивилизация, если они перестанут руководствоваться одними лишь инстинктами? Они будут сочинять симфонии, рисовать картины? Какой у них будет язык?
Ридли Скотт отпер дверь в совершенно другую вселенную Чужих, но не открыл ее. Мы, зрители, не оценили порыва — откроется ли теперь эта дверь? Хочется верить, что да.
И именно в «Завете» Ридли Скотт быстро и четко дал понять всем, кто не сообразил еще в «Прометее», что главный герой приквелов — не доктор Элизабет Шоу. Главный герой — андроид, который мечтает стать богом; который, в отличие от людей, нашел смысл жизни — создать другую разумную жизнь, более совершенную, чем он сам.
Тем не менее, фильм портит море, по-моему, сознательно включенных в сюжет нелепостей: принцип, по которому рождаются ксеномофры; тупые и нелогичные герои.
Команда выходит на поверхность незнакомой планеты в буденовках вместо скафандров со шлемами. Это еще можно как-то объяснить, они — всего лишь поселенцы, их техническое оснащение скудно, а специальную подготовку и дисциплину должен заменить один бедный андроид. Но идиота-капитана, сующего голову в яйцо с фейсхаггером, объяснить невозможно. Это напоминает классическую глупость, когда жертва в фильме убегает от человека с оружием строго по прямой, облегчая ему дело. Кажется, что авторы хотели вернуть ощущения фильмов «как тогда», но переборщили.
К «Завету» нужно относиться, как к еще одной истории, расширяющей мифологию вселенной. И совершенно точно не нужно путать этот фильм с настоящей научной фантастикой, а потом предъявлять к нему претензии, уместные только для этого жанра. И потом, настоящим научфаном был только первый фильм 1979 года, все остальное — страшные сказки.
«Человек-паук: Возвращение домой»
Фильмы Marvel регулярно выходят уже без малого десять лет, и, чтобы порядком уставший от супергероев зритель не скучал и продолжал ходить в кино, студия отклонилась от стандартной формулы, ударившись в эксперименты. И «Возвращение домой» стало одним из самых смелых опытов.
Это не та картина о всеми любимом Человеке-Пауке, которую мы ждали — но определенно та, которую мы заслужили и которая была нам необходима.
Спайди не раскачивается на паутине среди зеркальных небоскребов Манхеттена, не целует Мэри-Джейн, свисая вниз головой под дождем, и не побеждает опереточных злодеев, разбрасывая едкие комментарии.
Вместо этого мы видим напуганного, неудачливого школьника, геройская карьера которого еще толком не началась. Наш новый Питер не умеет прятать свой рюкзак с одеждой и не знает, кому возвращать спасенный от воров велосипед, куда уж там до спасения человечества бок о бок с величайшими героями Земли.
И это правильно — все эти драки и полеты мы еще увидим, а правильный, вдумчивый ориджин мог случиться только сейчас. Картина обращается к действительно важному периоду становления Человека-паука, которому в прошлых версиях уделялась в лучшем случае динамическая нарезка — экспериментальный паук мог укусить кого угодно, но только Питер смог измениться, направить силы в правильное русло и великим трудом стать тем самым героем в красно-синем трико, которого любят по всему земному шару.
Молодому Тому Холланду такая версия супергероя далась просто потрясающе. Я готов поверить, что на площадке он смотрит на Роберта Дауни-мл. и Криса Эванса с тем же почтением и трепетом, с каким его герой в кино — на Железного Человека и Капитана Америка.
У него получился отличный, очень живой Питер Паркер. Не клишированный ботаник-тряпка, как у Тоби Макгуайара и не самолюбивый хипстер-одиночка Эндрю Гарфилда, а именно талантливый, но неловкий школьник, на которого свалилась великая сила, с которой он пока и сам точно не знает, что делать.
Для Питера в «Возвращении домой» написаны отличные диалоги, он попадает в яркие и вызывающие отклик ситуации: вот он вздыхает по самой популярной девочке и зависает с другом-ботаником, вот он пытается добиться поощрения от своего кумира, вот он не может придумать способ спасти людей от взрыва в монументе Вашингтона… Погодите, что?
К сожалению, главное преимущество картины, ее приземленность и душевность, оборачивается главным недостатком. Что Питер в маске, что без — он остается школьником, чудесного превращения в героя не происходит. Да, это работает на историю, это соответствует заявленной идее становления, но вот проблема, мы-то в кино шли изначально не за этим, происходит обман ожиданий.
И от этого вдвойне обидно — на этот раз Marvel порадовала отличным злодеем. Не то, чтобы Стервятник Майкла Китона был более проработанным или глубоким, чем Ронан-Обвинитель или тот злой эльф из «Тор 2» — но он хотя бы сыгран лучше и берет чистой харизмой, яркостью образа.
В общем, ситуация примерно как с Локи в «Мстителях», и это пока что верхняя планка, до которой по этому критерию забиралась Mаrvel Studios. Жаль, что по-настоящему эффектных боев с ним так и не показали.
В итоге получаем отличный, но не лучший из фильмов Marvel, который, тем не менее, подтверждает один очень интересный концепт — студия наконец добилась того, чтобы ее бесконечная череда фильмов по комиксам сформировала настоящую вселенную.
Это параллельный кинематограф, который стремительно развивается и уже начал дробиться на жанры: в нем есть фантастика, есть фэнтези, есть детективы и шпионские боевики, сериалы и мультфильмы, комедии и, возможно, скоро появятся даже мелодрамы.
Это настоящая параллельная вселенная, которой не нужна вся остальная культура — в ней есть книги и периодика, телевидение и большой кинематограф, видеоигры сайты, игрушки, брендированные хлопья и одежда с канцтоварами. При желании человек уже сейчас может погрузиться в продукцию Disney и не испытывать потребности в чем-либо из «внешнего» мира. Если призадуматься, становится даже немного страшновато.
«Дюнкерк»
В жанре военного кино существует два основных стиля: голливудский и британский. В американских war movies важен прежде всего пафос — от «Сержанта Йорка» до «Спасти рядового Райана» и «По соображениям совести». В британских — прежде всего реализм, лучшие образчики которого — классические The Dam Busters и A Bridge Too Far.
Голливуд считает, что зрителю надо точно объяснять, что чувствовать в каждой сцене. В ключевых сценах этих фильмов играет невыносимо-приторная оркестровая музыка, героев показывают крупными планами на фоне заходящего (или восходящего) солнца, и центральный персонаж обязательно должен начитать объясняющий общую идею фильма монолог, без которого нельзя никак — иначе не выдвинут на «Оскара».
В британском военном кино зрителя держат за взрослого человека с определенным жизненным опытом, который сам в состоянии разобраться, почему та или иная сцена фильма — трагическая, драматическая или героическая. Там не читают монологов, снято все настолько же художественно, насколько и буднично, а у саундтрека совсем другие задачи — он создает напряжение, а не напыщенность и мелодраму. О том, что сцена главная, догадываешься не по музыке, а по тому, сколько в ней гибнет действующих лиц.
«Дюнкерк» — лучшая на сегодня работа очень британского режиссера Кристофера Нолана, которая составляет великолепную трилогию с фильмами The Dam Busters и «Мост слишком далеко». Как и эти фильмы, картина Нолана предельно бесстрастно, с фирменной клинической отстраненностью рассказывает о реальной военной операции.
Но операция эта настолько фантастическая, одни участники ее совершают такие чудеса героизма и спокойного мужского самопожертвования, а другие проходят через такой эмоциональный ад, что зритель ревет в три ручья без всякого пафоса в сценарии, режиссуре или звуковом сопровождении.
На кону 340 тыс жизней простых британских и французских солдат, которые не пытаются что-то захватить или удержать. У них гораздо более тривиальная задача — живьем дотянуть до другого берега Ла-Манша.
У главного героя «Дюнкерка» в сценарии нет имени — он просто «Томми» (жаргонное обозначение британских солдат), один из многих, таких же, как он. Центральный вопрос фильма: можно ли считать выживание формой подвига, даже если тысячи других отдали жизни, чтобы улучшить твои шансы?
Уникальная структура сценария позволяет Нолану до самого конца держать зрителя в напряжении по поводу судьбы нашего Томми, показывая события из разных временных отрезков операции. Линии с пилотом Тома Харди и капитаном Марка Райлэнса тут — фактически бонусы, которые придают истории многослойность и становятся поводом для ряда потрясающих (даже для Нолана) экшен-сцен. Но весь фильм держится на стоически-многострадальном выражении лица Фионна Уайтхеда, всходящего на борт очередного обреченного судна.
В британском военном кино, в отличие от американского, ценятся не только подвиги и количество убитых немцев, но и менее очевидные вещи. «Дюнкерк» — не про многих, а про одного, история человека, на месте которого может представить себя каждый зритель мужского пола.
Триумф Томми (и Нолана) в том, что на фоне героизма военных пилотов и стойкости морских капитанов наиболее интересным оказывается сюжет о фактической трусости, отказе умирать на пляже вместе с другими.
«Взрывная блондинка»
Я не знал, как сильно люблю эпоху 80-х, пока не посмотрел «Взрывную блондинку».
Наверное, с тем же успехом я мог полюбить и средневековье, потому что с моей перспективы у них много общего: образцы массовой культуры сохранились хорошо, исторические личности и политическая ситуация в мире известна и зафиксирована в документах, в обеих эпохах мне не удалось пожить.
Последнее, конечно, ключевое. Тем не менее, я влюбился именно в 80-е — по большей части из-за музыки. У «Взрывной блондинки» отличный саундтрек: Cities in Dust, Cat People, 99 Luftballons, London Calling, I Ran и другие хиты того времени.
Они здорово подчеркивают сеттинг: холодная война, Берлин, год падения стены и начала мирной революции — как одна культура проникает в другую и рушит ее, подменяя собой. И какая культура! Дэвид Боуи, The Clash, расцвет синтипопа. Приближался конец тысячелетия, Европа менялась, и для одних людей, привыкших к неторопливому течению времени, оно вдруг полетело с небывалой скоростью. Мир вокруг них стал работать, выглядеть и звучать иначе.
Вы, конечно, скажете, что «Блондинка» совсем не об этом, и будете правы. Как бы здорово фильм ни показывал социалистическую серость и капиталистическую распущенность, это в первую очередь шпионский триллер с крутым сюжетом, который по совершенно непонятной мне причине продвигали как Джона Уика, угодившего под правило 63.
В трейлерах засветили почти все боевые сцены, а ведь их и так в фильме-то мало. Но это не женская версия «Джона Уика»! Для начала в «Блондинке» есть сюжет, в то время как в «Уике» бои, бои, бои. Не всегда высокотехничные и почти всегда нереалистичные.
Если вы не видели рекламу «Блондинки» и впервые слышите о таком фильме — не смотрите трейлеры, переходите сразу к фильму. Все остальные — вы видите в этом ролике атмосферный триллер про шпионов во время холодной войны? А он есть. Намеренно или нет, зрителей гнали на один фильм, а показали совсем другой — и он лучше, намного лучше! Но другой. Стоит ли после этого удивляться оценкам 6/10 в пользовательских рейтингах.
Несмотря на то, что экшена не так много, «Блондинка», уверен, все равно войдет в историю кинематографа как фильм, изменивший подход к съемкам рукопашного боя. И все из-за одной невообразимой сцены на лестнице.
Я смотрел фильм дома и перематывал на начало этой сцены несколько раз — я делал это снова и снова до того, как первый раз досмотрел ее до конца. Понимаете, о чем я? Она настолько крутая, что хотелось оттянуть ее окончание. На ее фоне остальной фильм кажется хуже, чем он есть на самом деле — на контрасте.
Если вы увидели трейлеры и решили не идти на очередное бессмысленное месиво — вас нагло обманули, это совершенно другой фильм, купите и посмотрите.
Если по какой-то причине фильм полностью пролетел мимо вас — не включайте ни одного трейлера, они только испортят впечатление от просмотра. А смотреть «Взрывную блондинку» надо! Это совершенно точно один из главных фильмов этого года.
«Валериан и город тысячи планет»
«Валериан и город тысячи планет» — фильм по мотивам французского фантастического комикса «Валериан и Лорелин». Люк Бессон — большой его поклонник с детства, и потому лучшего кандидата на роль режиссера было сложно отыскать. Тем более, что сам Бессон впервые задумался об экранизации еще во время работы над «Пятым элементом», но тогда воплотить в жизнь все свои идеи не смог из-за несовершенства компьютерной графики.
И тем лучше, потому как спустя двадцать лет, в 2017 году, у него получилась одна из лучших фантастических лент — с уникальным миром, запоминающимися героями, по-настоящему смешными шутками и массой отсылок к тому же «Пятому элементу».
Впрочем, довольно сложно с уверенностью сказать, из чего на самом деле состоит «Валериан»: из черт, присущих диковинной французской фантастике (комикс я, увы, не читал), приемов Бессона, сформировавшихся под влиянием этой самой фантастики, или же идей, оставшихся в голове постановщика после «Пятого элемента».
Так или иначе, суть в любом случае останется прежней. «Валериан и город тысячи планет» — удивительное приключенческое кино, рассказывающее о двух агентах, постоянно попадающих в сомнительные истории. Тут нашлось место и путешествию к далеким планетам, и диким футуристическим изобретениям, и безумной красоты мирам, синекожей инопланетянке, играющей ту же роль, что и Дива Плавалагуна, и даже забавным пластиковым шапкам.
Единственная проблема, как по мне, — актриса Кара Делевинь, исполнившая роль напарницы главного героя, Лорелин.
Если Дейн Дехан, сыгравший Валериана, справился весьма неплохо (он вообще довольно крутой актер), а к исполнителям ролей второго плана (Клайв Оуэн, Сэм Спруэлл, Итан Хоук, Рутгер Хауэр) претензии и вовсе как-то странно предъявлять, то Делевинь весь фильм неловко закатывает глаза в попытках передать эмоции своей героини и без дела кривляется. Хотя против Кары Делевинь как модели я против ничего не имею.
В общем, сам фильм хуже от ее актерской игры не стал. В конце концов, Милла Йовович в «Пятом элементе» — тоже не гений актерского мастерства. А фильм все равно получился отличный. Что тот, что другой.
«Эмоджи фильм»
В свое время «Эмоджи фильм» буквально захлестнуло волной критики и негатива. Ленту, казалось, винили за все: от анимации и сюжета до глупых диалогов и задумки в целом. Оживить мир смайликов? Повторить успех шедеврального «Ральфа»?
Sony Pictures взялись за непосильную задачу — нажиться на хайпе, при этом обдурив зрителей поддельным интересом к современным тенденциям. Чем и зарекомендовали «Эмоджи» как один из худших фильмов 2017 года. И все же подобная реакция во многом была необоснованной.
Во-первых, потому что мультфильм просто плох, а не откровенно ужасен, как об этом любят неоднократно повторять. Да, похождения глючного смайлика Meh и его друзей High Five с Jailbreak не вызывают бурю положительных эмоций, однако те же «My Little Pony в кино» или «Мы — монстры» получились в разы хуже, поэтому за звание «худший мультфильм 2017 года» «Эмоджи» есть с кем потягаться.
Во-вторых, потому что негативный фидбек лишь помог Sony наделать шума, из-за чего ленте все равно удалось привлечь к себе внимания (а главному ютуб-ненавистнику«Эмоджи» вовсе отправили подарочный кит со множеством плюшек и приглашением на мировую премьеру фильма).
Так почему же тогда проходной мультик вызвал такой резонанс? Основная причина — попытка крупных кинокомпаний сыграть на чем-то модном и молодежном, надеясь что зритель клюнет на любую, даже самую глупую идею.
Sony создали не фильм, а продукт — коммерческую поделку, выполненную под руководством пиарщиков и спонсоров, а не креативных деятелей.
На самом деле из «Эмоджи» могло выйти нечто действительно стоящее или хотя бы приемлемое, однако сама мысль экранизировать говорящие смайлики затмила любые попытки сделать фильм «нормальным». Он страдает от глупых диалогов, провалов в логике и обилия навязчивой рекламы, из-за чего с каждым новым кадром ленту становится все неприятнее смотреть.
А проблема кроется в том, что с самого начала у «Эмоджи» не было какого-либо внятного концепта — лишь пустая задумка, из которой попытались раздуть полуторачасовую историю.
В Disney смогли найти выход из ситуации, наделив «Ральфа» действительно трогательным сюжетом, отчего идея с мультфильмом про игровые автоматы не выглядела такой провальной.
В случае с «Эмоджи» создание мультфильма начали сразу с обложки, и только после взялись за проработку сюжета с основными персонажами. Вот и получилось не кино, а один сплошной протяжный Meh. Такой же бездушный, как все происходящее на экране.
«Малыш на драйве»
Эдгар Райт — очень странный режиссер и сценарист. За исключением шикарного дебютного Shaun of the Dead в фильмах Райта всегда примерно одинаковое количество плюсов и минусов, великолепных и ужасных моментов. Никогда не знаешь, какая сторона перевесит и какое впечатление оставит его новый фильм. В случае с Baby Driver перед нами скорее Scott Pilgrim vs. the World, нежели The Worldʼs End или Hot Fuzz. Другими словами, картина, несмотря ни на что, получилась.
Самый чудовищный провал Baby Driver — это финал. Концовка — всегда самый важный элемент фильма, тем более в жанрах экшена и триллера. Действие должно нарастать, нужно крещендо погонь и перестрелок, которое затмило бы то, что нам показали в начале. Вместо этого фильм Райта предлагает нам ужасно снятое пихание автомобилями в парковочном гараже. С таким же успехом последние 10 минут фильма нам могли показывать табличку «ИЗВИНИТЕ, РЕБЯТА, У МЕНЯ КОНЧИЛИСЬ ДЕНЬГИ НА ГОНКИ И ХОРЕОГРАФИЮ».
В плане драматургии 3 акт фильма — тоже полный провал. Кевин Спейси сыграл худшую, самую немыслимо-пошлую сцену во всем своем творчестве:
Я тоже любил!
Ее обрамляют сцены отвратительно снятых и написанных перестрелок.
Я читал первый вариант сценария Baby Driver еще в 2014 году (действие тогда происходило в Лос-Анджелесе, а не в Атланте), и там не было перестрелки с участием Спейси и сцены с закупкой оружия. Райт просто написал и вставил их в фильм в последнюю минуту, испугавшись, что картине не хватает экшена. Именно поэтому они так выбиваются из общего ряда, отъедая тот бюджет, который стоило бы потратить на нормальную постановку финала.
Несмотря на заваленный третий акт, в целом фильм производит благоприятное впечатление. В чем-то тут помогает типичное райтовское послесловие, которое очень кратко раскрывает дальнейшую жизнь героев — в духе концовки Wild at Heart Дэвида Линча, но более неоднозначное. Но в целом дело тут в предыдущих двух актах, которые у Райта на сей раз вышли такими сильными, что опровергли даже неумолимые законы драматургии.
Лучшее качество Baby Driver — это не прекрасно снятые под музыку пешие и автомобильные погони. Вокруг них очень легко выстроить совершенно пустой фильм. Нет, вся картина держится на Бэби, персонаже Энселя Элгорта.
На первый взгляд он кажется стандартным эксплуатируемым преступниками аутистом. Но в каждой новой сцене к его образу добавляется свежая черта, раскрывающая личность этого героя с неожиданной стороны.
Для начала — он вовсе не аутист. Во-вторых, перед нами инвалид, страдающий от постоянного звона в ушах. В-третьих, этот звон в ушах служит постоянным напоминанием об автомобильной катастрофе, в которой погибли родители Бэби.
То есть он в буквальном смысле слова всегда напрямую подключен к миру погонь и аварий, и веселая на первый взгляд музыка — всего лишь средство организации того ада, постоянного хаоса, в котором Бэби живет.
Еще одна сильная черта Baby Driver — галерея ярких монстров-грабителей. Они не только напоминают нам обо всех просмотренных криминальных фильмах сразу (а особенно о Heat и The Town). Эти герои наделены достаточным количеством интересных личных качеств и ужимок, чтобы они могли запомниться сами по себе. Особенно Райту удался Грифф, персонаж Джона Бернтала, который появляется в фильме на 10 минут, страшно троллит героя Элгорта (да и всех остальных), а потом исчезает бесследно.
В сценарии исход персонажа Бернтала решен еще более четко:
ГРИФФ
«Ладно, парни, если я с вами не свяжусь, значит, я мертв».
Грифф выходит из кадра и из фильма. Больше мы его никогда не увидим.
Чтобы полностью понять Baby Driver, вам обязательно нужно посмотреть великолепный минималистский триллер Driver, написанный и поставленный Уолтером Хиллом. Структура у фильма Хилла более совершенная, он заканчивается потрясающей автомобильной погоней, а не позорищем на парковке.
Но, хотя главный герой там очень похож на Бэби, он очень сильно проигрывает персонажу Элгорта. Это просто холодный, сдержанный профессионал, о прошлом которого мы не узнаем ничего (героя зовут Драйвер). В результате фильм Хилла при всей его безупречности проходит мимо среднего зрителя и интересен только узкому кругу любителей безкомпромиссного криминального кино и фильмов про автопогони в духе Gone in 60 Seconds (1974), Dirty Mary Crazy Larry или Vanishing Point.
У Райта получилось более массовое, более привлекательное кино, и это, конечно же, огромное достижение этого весьма неординарного художника.
«Твое имя»
Я всегда скептически относился к аниме. Хотя японские мультики не вызывали у меня рьяных приступов ненависти, я все же никак не мог понять сути подобных анимаций. Они казались чересчур идеализированными и фальшивыми. Меня отталкивали приторные лица, тела и детали, которые то и дело мелькали на моем заляпанном мониторе посреди серой «российской» комнаты.
Аниме казалось чем-то неестественным — в нем отсутствовали какие-либо привычные жизненные изъяны, из-за чего картинка с трудом укладывалась в сознании.
Но потом я посмотрел «Твое имя». На следующий день я уже сидел в приложении «Кинопоиска» и расставлял «восьмерки» и «девятки» четырем другим полнометражным фильмам Макото Синкая. Сейчас я добиваю последние картины фильмографии Миядзаки.
Я не буду говорить, что «Твое имя» сотворил чудо и в корне изменил мое мнение касательно аниме. Это просто не мой жанр и вряд ли когда-нибудь им станет. И все же Синкай заставил посмотреть на аниме с другой стороны — не как на утопическую кальку с реальной жизни, но как на совершенно иной, более чуткий мир.
«Твое имя» — это выдающаяся и, без иронии, волшебная лента, которая точно заслуживает место в списке лучших фильмов 2017 года (это если брать в учет российскую премьеру, в других странах фильм вышел еще в 2016-м).
Да, возможно, у меня нет богатого «анимешного» опыта, чтобы бросаться подобными словами. Однако это тот мультфильм, в котором каждый может найти что-то свое. Он многообразен и затрагивает ряд тем, актуальных для любого возраста.
Детям точно приглянется фантастическая арка, подросткам — любовная, ну, а со взрослыми Синкай не стесняется делиться собственными размышлениями касательство всеобщего устройства мира. В своей рецензии я упоминал, что «Твое имя» тесно связан с азиатской культурой и урбанистикой — так же как и все предыдущие ленты режиссера.
Но, в отличие от прежних работ, в «Имени» Синкай переосмысливает собственные принципы, вводя нотки оптимизма в чересчур депрессивную картину мира.
Фильм насыщен добротными шутками, а «философские» моменты больше не состоят из высокопарных диалогов, вперемешку с личными размышлениями персонажей. Вместо этого Синкай делает еще больший упор на картинку: «Твое имя» богат на красочные эффекты с детальной прорисовкой бэкграундов и, конечно же, облаков.
Именно поэтому я назвал фильм «волшебным» — он очаровывает своими красками и яркой художественной составляющей, отчего сразу же западает в голову. «Твое имя» — это многожанровое кино, в котором Синкай не стесняется использовать магию воображения для наиболее точного выражения собственных мыслей. Каждая деталь на экране — плод кропотливой работы, вдохновленной трогательной историеи о любви, судьбе и жизни в целом. Добавьте к этому непринужденное повествование — и перед нами идеальный представитель современного полнометражного аниме.
«мама!»
Трейлер фильма «мама!» я случайно увидел при походе в кинотеатр на «Оно». Соответственно, тогда мне показалось, что это очередной хоррор. Но имя Даррена Аронофски, режиссера гениального «Черного лебедя», удержало меня от поиска дальнейшей информации и заставило пойти на сеанс. И как бы лучше описать свои эмоции…
Меня разорвало на куски.
Фильм поначалу казался стандартным психологическим триллером, но чем дальше развивался сюжет, тем сильнее складывалось ощущение, что что-то идет не так. Тебя даже не пытаются напугать. Но то ли неловкие переглядывания персонажей Дженнифер Лоуренс и Хавьера Бардема, то ли сам дом, в котором разворачиваются события всего фильма, ужасали.
Я ожидал, что «мама!», притворившись одним из творений Дэвида Линча, в определенный момент перевернет все с ног на голову и унесет сюжет в совершенно другое русло. Но Аронофски пошел своим путем, не прибегая к помощи неожиданных сюжетных поворотов (да и вообще сюжета).
Последние полчаса фильма — дикая фантасмагория, плевок в лицо и удар под дых всем культурным, религиозным и социальном ценностям. Последние сцены физически неуютно смотреть, но ты не можешь оторвать взгляд от происходящего. Ведь ловушка истории «мамы!» уже захлопнулась.
Только вот о чем же конкретно ее история? Да обо всем! Или, как минимум, об очень многом.
Серьезно, на фундаменте сюжета о семейном разладе выстраиваются аллегории на Библию, проблемы современного общества и искусства, внутренние конфликты людей творчества, пагубное влияние человечества на природу и много чего еще. Мне решительно непонятны возмущения людей, которые ничего не поняли после просмотра, ведь «мама!» позволяет воспринимать себя даже как крайне прямолинейную картину. Такой себе «фильм для всех и ни для кого».
И пускай фильм обругали многие критики и зрители, он все еще крайне важен как для кинематографа, так и искусства в целом.
Он очень многослойный и нетривиальный, зрителя своего за дурака не держит, но и не оставляет большую часть вопросов открытыми для фанатских теорий. Даррен Аронофски снова воплотил свой гений в формате кинофильма, сделав это изящно и виртуозно. «маму! » будут вспоминать и к ней будут возвращаться еще очень долго, ведь подобное авторское кино выходит не так уж часто.
Впрочем, особо впечатлительным лучше воздержаться от просмотра, настолько больно «мама!» ударяет своими идеями в сердце, задевая ребро.
«Бегущий по лезвию 2049»
Просмотр фильма Дени Вильнева вызвал у меня сложнейшую гамму смешанных ощущений, в которой я разбирался вплоть до дня написания этого текста. В итоге все эти чувства кристаллизовались в одно: «Бегущий по лезвию 2049» абсолютно не хочется пересматривать. В этом для меня — главное отличие сиквела от оригинала, каждую версию которого я пересматривал десятки раз (о чем можно судить вот по этому тексту с анализом фильма Ридли Скотта).
У нового «Бегущего по лезвию» есть ряд несомненных достоинств и как минимум одно неоспоримое преимущество перед оригиналом. Режиссура Вильнева, как всегда, на высочайшем уровне, причем это не стилизация и не подражание Скотту, а авторский фильм режиссера «Пленниц», «Убийцы» и «Прибытия».
Райан Гослинг в главной роли справляется с незавидной задачей — заставить зрителя переживать за неодушевленный объект (репликанта) вместо героя-человека. Харрисон Форд в кой то веки не просто появляется в роли постаревшего Харрисона Форда, а играет очень заковыристую психологически роль с широким спектром эмоций. Так Форд не играл со времен… ну, наверное, первого «Бегущего по лезвию». Гослинг не уступает Рутгеру Хауэру в оригинальном Blade Runner, Форд — Форду в том же фильме, постановка Вильнева как минимум сопоставима с уровнем Ридли Скотта в оригинале.
Наконец, у сценария Хэмптона Фанчера и Майкла Грина есть одно значительное преимущество перед сценарием оригинального фильма. Blade Runner 2049 — это детектив, тут все построено вокруг тайны, загадки, которая держит зрителя в напряжении до последних кадров картины. В основе сценария первого фильма никакой тайны не лежало — это не детектив, а нуарный триллер, там все сюжетное напряжение держится на поединках Декарда с репликантами.
Именно из-за отсутствия загадочности в сюжете фанаты (и Ридли Скотт) задним числом принялись придумывать первому Blade Runner неоднозначности и задаваться вопросом, «репликант ли Декард или человек?», хотя в оригинальной театральной версии там все ясно, как день.
Уж лучше фильм совсем без загадки, чем загадка, столь вымученно притянутая за уши в режиссерских катах.
Но при всех достоинствах картинки и литературной основы фильма Blade Runner 2049 неизмеримо, катастрофически проигрывает Blade Runner без цифр в названии. Визуально фильм Скотта — вертикальный, от низового уровня бьющей ключом панкультурной жизни в трущобах Лос-Анджелеса 2019 года до парящего над зиккуратами дирижабля, обещающего всем желающим новую жизнь в далеких космических колониях. Фильм Вильнева — плоский, горизонтальный, открытый и безжизненный, полицейские автомобили там летают, а герои разговаривают на фоне огромных пустых пространств. Символично, что встреча Кея и Декарда происходит в самом неинтересном, затасканном видеоиграми окружении, которое себе только можно представить: выжженном атомной бомбой Лас-Вегасе.
Сценарий оригинального «Бегущего по лезвию» Фанчера и Дэвида Уэбба Пиплза тоже был очень вертикальный — кто-то видел в нем самый низкий, бульварный уровень полицейского триллера, кто-то — огненные высоты гуманистической фантастики.
В сиквеле история Фанчера и Грина подразумевает только одну, максимально претенциозную трактовку. Этот трехчасовой фильм почти невозможно досмотреть до конца, если вы отказываетесь искать в каждой из немыслимо затянутых сцен какие-то высшие смыслы.
Сцена с тестом Войта-Кампфа захватывает, даже если вы толком не понимаете, что в ней происходит. Сценой, в которой Кей неподвижно сидит перед камерой и начитывает стихи Набокова, трудно проникнуться, даже если вы понимаете, что хотят сказать сценаристы и режиссер.
Кассовый провал Blade Runner 2049 абсолютно заслужен — фильм получился недостаточно интересный (как визуально, так и сюжетно). Он недостаточно захватывающий, несмотря на мощный двигатель детективной интриги. Да еще и мифология оригинала тут используется, как костыль (если вы не смотрели первый фильм, то вообще не поймете, кто такие Рэйчел, Декард и почему вам надо за них переживать).
Сейчас критики и фанаты усиленно записывают «Бегущий по лезвию 2049» в будущую культовую классику, но на мой взгляд, никакой классики (или даже культа) в фильме Вильнева нет. Это интересная аберрация, картина-кунсткамера, в которой отразились как самые лучшие, так и самые худшие черты кинофантастики 2017 года.
С одной стороны — это авторское НФ-кино с бюджетом в 185 $ млн (возможно, что перед нами последний высокобюджетный фильм такого рода), не лишенное достоинств в сценарной работе.
С другой — его создатели страдают тяжелейшей формой Интернет-фанбойства и вместо того, чтобы рассказывать собственную интересную историю, стараются с первого до последнего кадра «не посрамить» оригинал. Знаете, с Blade Runner было бы все в порядке и без этих каторжных усилий, а Вильневу стоило бы научиться у молодого Скотта главному. Не надо набивать свой трехчасовой эпос до отказа отсылками и философскими смыслами, надо просто рассказывать хорошую жанровую детективную историю с научно-фантастическими элементами.
Фильму не хватает самобытности, оригинальности, смелости, влиятельности, это не прорыв и не попытка сказать что-то новое в кино или фантастике. Тому, как делать нефанбойские сиквелы, используя какие-то элементы оригинала, можно было поучиться у Джеймса Кэмерона.
В отличие от оригинала, Blade Runner 2049 пройдет совершенно бесследно, как слезы под дождем, не оставив ни малейшей зарубки в массовой культуре.
«Матильда»
Каким бы в итоге ни был фильм «Матильда», запомнится он явно не своими впечатляющими художественными приемами, оригинальными персонажами или интересными сценарными ходами — их там попросту нет. «Матильда» — это угрозы и поджоги, отмена показов в кинотеатрах и отличная демонстрация тенденций, царящих в обществе.
Я всегда считал, что искусство выше любой из сфер нашей деятельности, что плоды мысли человеческой должны оцениваться вне зависимости от политических, социальных и религиозных убеждений. Но с «Матильдой», видимо, никто не хотел считаться еще до премьеры.
Попытка рассказать историю мимолетной любви Николая II была воспринята как смачный плевок в лицо всему обществу.
Это же сам святой Николай II, да как у него могла быть любовница, непорядок! Запретить, уничтожить, сжечь!
Это ненормально, когда в студию закидывают коктейль Молотова. Ненормально, когда русский народ проклинают за то, что он не смог остановить премьеру. Вся ситуация с «Матильдой» — прямой антоним нормальности, сама по себе похожая на жуткое кино.
Даже если бы удалось добиться отмены премьеры фильма, думаю, он все равно бы вошел в список главных картин года. Уж больно показательной получилась истерия вокруг него. Но он все-таки вышел, и паззл сложился.
«Матильда» — это «русское кино» в худшем значении этого словосочетания.
Дорогое, в чем-то красивое, но абсолютно пустое, бессмысленное, наигранное действо. Вместо того, чтобы рассказать историю о противостоянии любви и долга, подарить нам необычный, спорный взгляд на Николая II, Алексей Учитель снял слащавую пустышку. Царь здесь — инфантильный ребенок, Матильда — развязная меркантильная особа, а персонаж Данилы Козловского… Ну, давайте назовем его филлером.
И самое главное — фильм вообще никак не оскорбляет православную религию. Но нет, все равно нужно «запретить, уничтожить, сжечь». Если бы запретить все же удалось и фильм бы так и не увидел свет, возможно, было бы лучше –он бы стал стал памятником человеческому безумию, современной «охоте на ведьм», а заодно и могилой здравого смысла. Мучеником, а не посмешищем.
Вся ситуация с «Матильдой» может открыть глаза на то, в какую глубокую пропасть мы можем скатиться из-за такой мелочи, как посредственный фильм. Потому он и оказался в нашем списке. Не за свою художественную ценность, а из-за того, какие симптомы высветил, какой резонанс имел.
Точка в этой истории не поставлена. Рано или поздно что-то еще «заденет чувства верующих», и пламя вспыхнет снова, возможно, даже еще более яркое. Что тут сказать?
Бог умер! Бог не воскреснет! И мы его убили! Как утешимся мы, убийцы из убийц!
«Исторический блокбастер» «Матильда» оскорбил чувства верующих
«Выстрел в пустоту»
«Выстрел в пустоту» — это настоящая криминальная драма. Не боевик про перестрелки, а серьезное исследование ситуаций и людей, живущих по ту сторону закона. А вернее — общечеловеческих вопросов на примере этих людей, в жизни которых гораздо выше ставки и цена ошибки, гораздо жестче ограничения среды. Это фильмы вроде «Порока на экспорт» Кроненберга, недавнего «Любой ценой» или «Стукача» от того же режиссера и сценариста, что и у «Выстрела в пустоту» — Рика Романа Во.
Джейкоб, успешный финансист, едет домой с женой и друзьями. На секунду он отвлекается от дороги — и их машина попадает в аварию. Из-за нелепой случайности Джейкоба сажают в тюрьму на десять лет и это меняет его навсегда.
Чтобы выжить за решеткой, ему приходиться все дальше спускаться в бездну: вступить в банду, проносить наркотики, убивать, участвовать в бунтах, что нам жестко и откровенно показывают во флэшбеках.
Но все это не ломает его, а закаляет, он становится большой шишкой — тем самым shot caller из оригинального названия фильма. Карабкается наверх, но не потому, что новая жизнь увлекла его, а лишь с одной целью — снова стать хозяином самому себе, получить возможность покончить с этим бесконечным кошмаром. Впрочем, этот мир не торопится его отпускать — неважно, в тюрьме он или на свободе, из этой круговой поруки не выходят живыми.
Скажу честно, этот жанр близок мне меньше всего. Я стараюсь держаться подальше от бандитских историй любого толка — слишком уж это мрачная и тяжелая тема. Но как обычно, находятся редкие исключения. Например, «Советник» Ридли Скотта, фильм на самом деле откровенно жуткий. А теперь еще и «Выстрел в пустоту».
Это максимально жесткая и реалистичная в своих деталях история, все в ней минималистично, четко, эффективно и совершенно не эстетично, как удар заточкой. Здесь нет драмы в понимании сцен с мучениями и рыданиями — все сдержанно до побелевших костяшек пальцев, жуть берет просто от осознания безвыходной ситуации, в которой оказывается герой. Насколько это страшно, но при этом — обыденно, реально.
Джейкоб не ломается под давлением, он встречает свое испытание достойно, ему приходится переродиться в нечто новое, чтобы играть по этим правилам и добиться успеха.
Опасность в том, что став оружием, назад не изменишься — не сможешь вернуть свою наивность и беззаботность, хоть раз увидев мир таким, какой он есть.
Это тяжелое кино, за которым не выйдет придаться эскапизму под пледом субботним вечером, скорее отрезвляющее, чем расслабляющее, но это не значит, что вам стоит пройти мимо — лишь то, что нужно тщательнее подобрать подходящий момент и настрой для просмотра.
Это действительно один из лучших фильмов года, и он однозначно заслуживает вашего внимания, такое снимают совсем не часто.
«Оно»
«Оно» — это новая экранизация одноименного романа Стивена Кинга. Ровно 27 лет назад в 1990 году роман уже был экранизирован в виде трехчасового мини-сериала для ТВ. Но прошлая экранизация, как и книга, имела много лишних сцен, ненужных для восприятия основной истории. В новой экранизации подобных проблем нет.
Стивену Кингу в последние годы не везло. Фильмы по его романам оказывались либо малобюджетным трэшем вроде «Мобильника», либо высокобюджетной пустышкой вроде «Темной башни». И в тот момент, когда фанаты перестали надеяться на хорошую современную экранизацию, появляется «Оно». Фильм, который при производстве потерял режиссера Кэри Фукунага, и многие решили, что из него тоже ничего хорошего не выйдет. И они ошибались.
Адреас Мускетти смог снять фильм в духе сериала «Очень странные дела», перенеся действие из 1958 в 1989 год.
Он смог показать «клуб неудачников» и их попытки наладить отношения друг с другом. Даже не смотря на наличие потустороннего Клоуна, похищающего детей, главные герои не унывают и стараются держаться друг за друга. По сути, здесь есть та же идея, что и в сериале Netflix — группа подростков не боится неизведанного, она решительно бросает ему вызов, полагаясь друг на друга, зная, что никто из них не струсит перед лицом опасности. «Оно» 2017 года в первую очередь рассказывает об этом.
Касательно главного антагониста: можно долго спорить о том, чей Пеннивайз страшнее — Тима Карри (1990) или Билла Скарсгарда (2017), на мой взгляд, они довольно разные, и не совсем верно их сравнивать. Пеннивайз Карри соответствовал своей эпохе, а клоун Скарсгарда именно такой, каким он должен быть в наше время, чтобы внушить вам страх к клоунам (хотя многие их и так недолюбливают).
«Оно» 2017 года — фильм, который непременно нужно посмотреть, даже если вы не любите ужасы.
Это отличный пример качественной экранизации Стивена Кинга, которая старается одновременно быть близкой к оригиналу и при этом менять свою историю, избавляясь от лишнего, так, чтобы при просмотре не возникало никаких помех и лишних вопросов.
Этот фильм охватывает лишь половину романа Стивена Кинга, и нас ждет продолжение, действие которого развернется в 2019 году, спустя 40 лет от событий первого фильма.
Дети вырастут, мир вокруг изменится, но зло останется прежним. И очень интересно посмотреть, как будет пугать Пеннивайз в эпоху смартфонов, беспроводных сетей и повсеместного развития интернета.
«Тор: Рагнарек»
Новый «Тор», созданный силами Тайки Вайтити, смело можно записывать в колонку самых спорных фильмов года. С одной стороны картина перестала быть убийственно серой, как предыдущие части, а также добавила пару связующих ниточек для грядущей «Войны бесконечности». Это, безусловно, важные вещи.
Вот только при всем при этом «Рагнарек» максимально ярко продемонстрировал проблемы конвейера Marvel, вывалив в одну кучу и скомканный сценарий, и довольно невнятные бои, и, что хуже всего, в очередной раз слитного в унитаз главного злодея.
У Marvel уже давно возникла проблема с оригинальными идеями. Последним фильмом, который демонстрировал и уникальных героев, и мир, были «Стражи Галактики», но там Джеймсу Ганну просто дали развернуться. А вот Тайке не дали. Да, фильм режессировал он, но за сценарий отвечали «марвеловские» сценаристы, что сильно ударило вообще по всему.
Из чего состоит типичный сценарий Marvel? Из появления Злобного Злодея, который на время выносит за скобки Героя, и затем пытается сделать что-то Очень Злое. Герой же (или герои) в процессе создания Злодеем чего-то Очень Злого собирает войска, прокачивается, и возвращается к Злодею чтобы дать Последний Бой и всех победить. Формула с переменным успехом работала чуть ли не во всех фильмах студии (попробуйте мысленно подогнать под нее ЛЮБОЙ фильм Marvel и поймете, что я не шучу), но в «Рагнареке» она не вывозит совершенно.
Даже самые слабые фильмы киновселенной Marvel этот сюжет более-менее вытаскивали — взгляните хотя бы на «Эру Альтрона», которая состоит из косяков примерно на 90%. Да, фильм на фоне первых «Мстителей» выглядит откровенно бездарно, но даже он умудрился выжать из этого простецкого сценарного шаблона куда больше, чем в итоге вышло у «Рагнарека».
Тут нашлось место и харизматичным персонажам, и хорошим диалогам, и неплохим шуткам — но все это очень фрагментировано, разбросано по всему фильму, и оттого не работает. Попытки удивить зрителя сюжетными поворотами предпринимаются, но они ни к чему не ведут — во многом потому, что авторы сами забивают на собственные сюжетные ветки, откидывая их в сторону и никак не развивая. Ну да, Хела, оказывается, сестра Тора. Ну да, Один и Хела в свое время натворили много чего нехорошего. А дальше-то что? Нам это ничего не дает, и выглядит как заплатка для пяти минут хронометража.
Обиднее всего в этой ситуации даже не в целом за сюжет — ну подумаешь, провальных сюжетов будто бы не видели. Нет. Обиднее всего за персонажа Кейт Бланшетт, то есть за Хелу. У героини был огромный потенциал — на бумаге. В фильме же Хела служит именно что «финальным боссом в фильме от Marvel» — то есть максимально скучным и неинтересным злодеем. Попытки ее раскрыть не приводят ни к чему, и в итоге персонажу просто не из-за чего сопереживать.
Это наверное прозвучит странно, но меньше всего претензий к предыдущим «Торам» у меня было именно в плане сценария. Что первый фильм, что «Царство тьмы» работали и предлагали ЦЕЛЬНУЮ историю. Здесь же этого нет — зато есть шутки и все уже не так серьезно, как раньше.
О да, любителей несерьезности и юмора фильм наверняка не оставил равнодушными. В этом-то и проблема. В своем стремлении сделать и смешно, и серьезно одновременно Marvel сильно промахнулась, и в итоге «Рагнарек» смотрится очень глупо. Да, смешно. Да, весело. Но потом начинается серьезная сцена, и фильм рушится, как карточный домик. Рушится, потому что не знает, чем ему быть — серьезной историей или набором гэгов про Тора и компанию. Драму и комедию можно примирить в одной картине — это целый поджанр, но задача это крайне непростая. И создатели «Тора» с ней не справляются, шутки и заходы на серьезность не выигрывают от контрапункта, а просто глушат друг друга.
«Рагнарек» получился абсолютно попкорновым фильмом на один раз без единой адекватно развитой светлой мысли. И на фоне грядущей уже через полгода «Войны бесконечности» это серьезно пугает — ну, а как сценаристы «Войны» возьмут, снова используют тот же самый шаблон сюжета и снова не смогут ни в персонажей, ни в драму, ни в уместный юмор? В таком случае даже братья Руссо, занятые постановкой фильма, не спасут.
Да, «Рагнарек», определенно, не худший блокбастер года, и даже не худшая супергероика (Зак Снайдер и Джосс Уидон просили кланяться), однако это движение совсем не в ту сторону. Можно сколько угодно рассуждать о том, каким бы вышел фильм, дай студия писать сценарий самому Вайтити, однако признать факт того, что «Рагнарек» получился далеко не таким шедевром, каким его выставляли критики, все-таки придется.
- Короткая рецензия
- Длинная рецензия
- Сцены после титров
- Все спойлеры
- Как концовка фильма «Тор: Рагнарек» повлияет на будущее киновселенной Marvel?
- Все пасхалки в фильме «Тор: Рагнарек»
- Чего ждать от «Тора 4»? Строим теории
- Какие комиксы почитать перед фильмом «Тор: Рагнарек»?
- Реакция критиков
- 22 вопроса к фильму
«Лига справедливости»
«Лига справедливости» — фильм-предательство. Я абсолютно несогласен с видением Зака Снайдера, мне не нравятся балаган из библейских отсылок и неумелое обращение с персонажами. Но я примерно понимаю, чего хотел добиться режиссер в своих прошлых работах. Я видел в его кино живого человека, который прекрасно умеет в придумывание оригинальных концептов, но абсолютно не понимает, как их реализовывать.
Тот же «Бэтмен против Супермена» — это оглушительный провал, но провал выдающийся, который интересно изучать и разбирать во многом потому, что «БпС» так непохож на рядовое студийное кино. Именно поэтому видеоблогеры вроде MovieBob уже два года выпускают многочасовые эссе, посвященные фильму.
Я также понимаю фанатов, которые Снайдера боготворят — в первую очередь за смелость и глубину (на мой взгляд, ее придумывают сами фанбои, но это их право).
Разочаровавшийся, убивающий людей Бэтмен; бог-Супермен, ломающий комикс-каноны вместе с шеей генерала Зода; идейная адаптация «Моби Дика», в которой Бэтмен-Ахав с гарпуном идет на Супердика; паническая атака, вызываемая триггером «Марта!», — все это в теории очень крутые и малоисследованные в комикс-муви идеи.
Но это в теории. В реальности креатив ломался о неумение Снайдера оформить свою мысль в цельный, гармоничный фильм. Тем не менее, «Человека из стали» и «БпС» можно рассматривать как авторский эпос, снятый в пику современному супергеройскому кино. А вот «Лигу справедливости» уважать не за что — это фильм, в котором убили Снайдера и из которого не получилось хорошего Marvel. Жаль.
Желание студии утрамбовать свое тяжеловесное кино под представления об интересах широкой аудитории — не то чтобы плохо, у замечательной «Чудо-женщины» вот более чем получилось. Другое дело, что «Лига» не дотягивает даже до самых слабых выпусков Marvel («Торы» до пришествия Тайки Вайтити).
У «Лиги» явные проблемы с ритмом и тоном, первые полчаса кажутся ускоренной нарезкой: очень быстро знакомят с Акваменом (откуда он, кстати, знает кто такой Брюс Уэйн?), включают Флэша в команду и тяп-ляп рассказывают историю Киборга.
А еще вас время от времени отвлекают на Степного Волка, самого невнятного злодея в комикс-муви за последние годы — и ведь нужно было очень постараться, чтобы сделать хуже, чем у Marvel! Как команду этих людей мало что объединяет, сравнения со «Мстителями», где Уидон раздал всем и мотивацию, и внутренние конфликты, просто неизбежны.
Пересъемки привели и к проблемам в логике. Например, Бэтмен почему-то решил, что воскресить Супермена — потрясающая идея. Хотя ровно фильм назад он утверждал, будто нельзя допустить даже небольшую вероятность того, что Супс сорвется с цепи и станет угрозой для всего мира.
Из-под носа у команды супергероев воруют один из макгаффинов, материнскую коробку — и эта сцена смешит больше, чем любая неловкая шутка, постфактом вставленная Уидоном. Более того, «Лига» просасывает шанс экранизировать один из лучших сюжетов в комиксах — воскрешение Супермена (правда, другой крутой сюжет — смерть Супермена — тоже обставили черте как). Кто такой новый Кларк Кент? Что он понял после смерти? Продолжит ли он борьбу? Вам не ответят.
Зато Кларку заблюрят усы, отправят философствовать в поле, а потом одним его появлением обесценят старания всей «Лиги справедливости» — Супермен по щелчку расправляется с главной угрозой фильма.
Чтобы оттенить очевидную ненужность остальной команды, его прибытие на место схватки немного задерживают, но факт остается фактом — он слишком силен. Кстати, вопрос к Степному Волку. Почему DC так быстро скатилась к самокопированию? Разве мы уже не проходили угрозу терраформирования в «Человеке из стали»? Зачем повторяться?
«Лига» рассыпается как эпос, потому что эпос из нее убрали — видимо, назло самым преданным фанатам, которых сбил вокруг себя Снайдер. Она недостаточно качественная, чтобы понравиться любителям Marvel. Это просто фильм-затычка, очередная неудача Warner Bros., которая сначала схлопнула два фильма в один, потом отказалась от идентичности Снайдера и в итоге сократила хронометраж до двух часов, потому что с «БпС» уходили, а с Marvel не уходят! Если честно, у меня нет слов, как и веры в DC.
Утешение, опять же, стоит поискать в комиксах. Тем более что серия «Лига справедливости» за авторством Джеффа Джонса продается в любом российском книжном, и она отличная, причем показывает ровно те же сюжеты про войну Дарксайда. Там все гораздо эпичнее и интереснее, попробуйте и сравните с тем, что DC по какому-то недоразумению крутит в кино.
«Тайна Коко»
Pixar — одна из немногих анимационных студий, у которой никогда не было определенного курса. Они просто создавали истории, искренние и актуальные для зрителей любых возрастов.
«История игрушек», «Корпорация монстров», «В поисках Немо», «ВАЛЛ-И», «Головоломка» — послужной список Pixar можно перечислять долго, и все равно с каждым годом они продолжают удивлять свежими идеями.
Так, еще одной монетой в копилку анимационных шедевров стал «Тайна Коко» — пожалуй, лучший мультфильм 2017 года.
«Коко» рассказывает о Мигеле, мальчике, мечтающем о карьере музыканта, но по иронии живущем в семье, что на дух не переносит музыку. Поначалу сюжет кажется обыденным, однако вскоре фильм напрочь меняет тематику. Он начинает говорить о мертвых предках главного героя.
Да, это детский мультик, который наглядно демонстрирует загробный мир, смерть, скелетов, и все под стать традициям мексиканской культуры.
Почему это круто? Хотя бы потому, что Pixar не только удалось изложить историю так, чтобы ее без труда могли переварить дети, но умудрились задеть за живое и более взрослую аудиторию. Всем уже давно известно, что современный мультфильм, снятый под предлогом «исключительно для маленьких», априори нельзя назвать качественным.
У каждого сюжета должна быть припасена мораль, причем универсальная для зрителей всех возрастных категорий, какой бы «детской» ни была сама картина.
И «Коко» удалось найти баланс между серьезным и примитивным повествованием, отчего лента выигрывает практически по всем категориям. Тут и чуткое отношение к чужой культуре, и продуманный сценарий, и эмоциональные твисты, способные растрогать даже самых черствых зрителей.
«Тайно Коко» очень просто и доступно говорит о действительно важных вещах, при этом не стесняясь разбавлять философию жизни и смерти яркими красками с конфетти.
Это ли не характеристика идеального мультфильма XXI века?
Pixar в очередной раз продемонстрировала качество и многослойность своих работ. «Коко» — это история обо всем: семье, традициях, музыке, мечте и, самое главное, памяти. Кому-то такие темы могут показаться пафосными, однако как минимум визуально фильм очаровывает и способен оставить приятное послевкусие.
Ведь это тот тип мультика, который никогда не потеряет своей актуальности.
«Планета обезьян: Война»
«Планета обезьян: Война» — финал трилогии приквелов к оригинальной «Планете обезьян». Фильм снял Мэтт Ривз, режиссер «Монстро», «Планета обезьян: революция» (второго приквела) и сольного «Бэтмена» с Беном Аффлеком.
«Война» заканчивает историю Цезаря — лабораторного шимпанзе, благодаря которому обезьяны поумнели и начали строить свое общество (именно Цезарь был первым разумным приматом).
Эта франшиза крайне недооценена. Во всяком случае, в России она популярностью не пользуется — премьеру фильма я смотрел в практически пустом зале. Но американские критики в восторге (93% положительных отзывов на Rotten Tomatoes), и, на мой взгляд, трилогия показывает один из самых интересных постапокалипсисов за последние годы.
Фильм собрал 490 $ млн в мировом прокате при бюджете в 150 $ — неплохо, но и бешеным успехом это не назовешь. Картина — о борьбе с рабством, обезьяны в первой части трилогии в буквальном смысле поднимали бунт и сбегали из клеток. Вместо этого сиквел подается как столкновение двух армий — людей и обезьян. На деле, Цезарю не нужна война.
На протяжении трех фильмов его заботит только безопасность обезьян. Цезарь не хотел быть лидером, но вынужден был им стать.
И Цезарь несет на себе ответственность за каждую обезьяну: он их учит, объясняет, как можно поступать, а как нельзя, старается быть моральным компасом. И, пока обезьяны под руководством Цезаря очеловечиваются, нам показывают людей. Они впали в такое отчаяние из-за эпидемии обезьяньего гриппа, что готовы уничтожить всех приматов — как будто это способно изменить ошибки прошлого.
Если «Восстание планеты обезьян» показывало современный мир, а «Планета обезьян: Революция» показала распад человечества, то в «Войне» отображен мир на грани гибели.
Людей осталось очень мало, обезьяний грипп мутировал, а приматы в страхе от оставшихся людей пытаются найти новое место, где они смогут жить.
Сюжетно «Война» максимально приблизилась к оригинальной «Планете обезьян» 1968 года.
Нам показывают, на что готово человечество в попытках сохранить свое превосходство. В фильме люди боятся поумневших обезьян, но гораздо больше они боятся стать такими же примитивными, какими когда-то были их дальние сородичи.
А если вы помните оригинальную «Планету обезьян», то там люди были примитивными, не могли разговаривать. То есть, в новой трилогии нам показывают, что привело людей к такому состоянию
«Война» — да и вся трилогия в целом, — показывает, как человечество в борьбе с другим видом лишилось человечности, стало на путь деградации и вымирания. Ну, а обезьяний род старается не повторять ошибок людей — в этом главный источник сатиры и гуманистическая (несмотря ни на что) идея фильмов.
Если вам интересно, что было дальше с отупевшими людьми и поумневшими обезьянами, посмотрите оригинальные фильмы. Вышли они в конце 60-х, но до сих пор актуальны и достойны вашего внимания
«Звездные войны: Последние джедаи»
Я сходил в кино на «Последних джедаев» дважды. Это своего рода традиция: она зародилась два года назад, когда на экраны вышел седьмой эпизод, и теперь каждый раз перед Новым годом я хожу на «Звездные войны» — сперва с друзьями, затем с родителями. То есть помимо собственных впечатлений и диких воплей в интернете я получаю еще и мнение близких людей — это помогает привести мысли в порядок.
В случае с «Последними джедаями» мое мнение после повторного просмотра нисколько не изменилось. Я все еще считаю, что главная проблема фильма заключается не в больном сценарии, а в том, что картина Райана Джонсона противоречит сама себе.
Она посвящает одну из сцен метаниям слабого духом Кайло Рена, после чего неожиданно делает из него главного злодея галактики. Она показывает Люка, обезумевшего от стольких лет в добровольном изгнании, и затем предлагает поверить в его историю о том, как Бен Соло перешел на Темную сторону Силы.
Она два с половиной часа убеждает в том, что прошлое нужно забыть, а сама в финале говорит о возрождении сопротивления и — черт возьми, Райан Джонсон, ты серьезно — намекает на очередной виток бессмысленной бойни между повстанцами и Империей… то есть Первым Орденом — в общем, вы поняли.
Меня совершенно не беспокоят шутки про мать Хакса, которыми в 2017-м принято открывать новый эпизод саги, не волнуют бомбардировщики, работающие в открытом космосе (такой дичи в Star Wars всегда было полно, за то и любим), даже та самая сцена с Леей не злит, потому что «Звездные войны» — сказка про заснувших вечным сном принцесс и рыцарей (джедаев), которые этих самых принцесс обязаны спасать. Разве что бесславная гибель Сноука до сих пор вызывает недоумение, но да и черт с ней. Гораздо важнее, что лично для меня восьмой эпизод в условиях, придуманных Джонсоном, попросту не работает.
Не заставляет вжиматься в кресло, когда По совершает «полицейский разворот» на своем X-wing, не поражает битвами на световых мечах, не вызывает интереса к персонажам, в отличие от «Пробуждения Силы», где были те же самые герои.
Хорошо, что за девятый эпизод возьмется Джей Джей Абрамс. Плохо, что Джонсону доверили снять и написать собственную трилогию, пусть она и будет изолирована от основной саги.
- Рецензия Башкирова
- Рецензия Трофимова
- Рецензия Иванова
- Что происходило в Галактике между VI и VIII эпизодами. Эпичный таймлайн
- История Первого Ордена
- Тест на сторону Силы (вы джедай или ситх?)
- 5 главных женских персонажей нового канона «Звездных войн»
- Тест. Угадай космический корабль из «Звездных войн» по звуку!
- Мнение критиков
- Трагические судьбы актеров и режиссеров «Звездных войн»
- Все спойлеры к «Последним джедаям»
- Видеообзор VIII эпизода
- Круглый стол. Обсуждение фильма «Звездные войны
- Чего ждать от IX эпизода «Звездных войн»? Главные теории фанатов
- Все пасхалки из «Последних джедаев»
